La moda latinoamericana busca ampliar su presencia internacional sin perder aquello que la hace singular: sus raíces culturales, su creatividad y las historias que se expresan a través de cada prenda. Esa conversación encontró un espacio en el BRICS+ Fashion Summit, un encuentro celebrado en Moscú que reunió a representantes de la industria de más de 60 países para discutir el futuro del sector, sus oportunidades comerciales y el valor de la identidad en un mercado cada vez más globalizado.

Con participantes de Brasil, México, Paraguay, Ecuador, Panamá, Costa Rica y Nicaragua, entre otros países, América Latina llevó al foro distintas perspectivas sobre diseño, tecnología, patrimonio cultural y desarrollo empresarial. Más que una discusión sobre tendencias, el encuentro puso sobre la mesa una pregunta fundamental: ¿cómo crecer internacionalmente sin diluir aquello que distingue a una marca o a una comunidad creativa?

La identidad como ventaja competitiva

En una industria donde las plataformas digitales acercan mercados y aceleran la circulación de tendencias, la singularidad cultural adquiere un valor particular. Para Aline Souza de Oliveira, especialista en estrategia comercial y desarrollo de negocio de la firma brasileña FARM Rio, la expansión internacional no tiene por qué implicar una renuncia a los códigos propios.

La historia de FARM Rio ilustra esa posibilidad. Lo que comenzó como un pequeño puesto de cuatro metros cuadrados en una feria independiente de Río de Janeiro se convirtió en una marca con reconocimiento internacional y colaboraciones con firmas como Adidas y Havaianas. Su lenguaje visual, caracterizado por estampados vibrantes e inspiración en la naturaleza brasileña, ha sido parte esencial de su identidad.

«Nuestra trayectoria internacional nos demostró que crecer no implica renunciar a nuestra identidad», señaló Souza de Oliveira durante el encuentro.

La autenticidad, en este caso, no funciona como un recurso decorativo, sino como parte de la propuesta de valor de la marca. En un mercado donde muchas tendencias circulan simultáneamente, una identidad reconocible puede convertirse en un elemento diferenciador.

Esa relación entre diseño y cultura también se manifiesta en la colaboración de FARM Rio con mujeres del pueblo Yawanawá, en la Amazonía brasileña. El proyecto busca contribuir al desarrollo de su técnica tradicional de abalorios, conocida como rauti, al tiempo que genera oportunidades de ingresos para las artesanas y favorece la preservación de sus conocimientos.

La colaboración abre una conversación relevante para la moda contemporánea: la relación entre creación, patrimonio y comunidades de origen. Cuando el trabajo artesanal forma parte de una propuesta comercial, también importa cómo se construyen las alianzas, se reconoce la autoría cultural y se distribuyen sus beneficios.

¿Quién define el gusto en la moda contemporánea?

La transformación digital ha ampliado las voces que participan en la conversación sobre moda. A los editores, críticos y especialistas se suman creadores de contenido, comunidades digitales y algoritmos que influyen en la visibilidad de determinadas propuestas.

Pero alcanzar una audiencia amplia no siempre equivale a construir relevancia cultural.

Durante un panel dedicado a la autoridad en la moda, Dfaniks, fundador del Cinettica Fashion & Art Film Festival de México, destacó el papel de los festivales independientes y las comunidades creativas en el desarrollo de lenguajes visuales propios y en la conexión entre diseñadores y público.

«La visibilidad digital puede generar atención, pero la atención no equivale necesariamente al valor cultural. La artesanía, la originalidad, las experiencias físicas y las comunidades reales siguen siendo importantes», afirmó.

Su participación también se extendió al ámbito cinematográfico: viajó a Moscú para formar parte del jurado de World Fashion Shorts, festival de cortometrajes de moda celebrado durante Moscow Fashion Week.

La reflexión resulta pertinente en un momento en que las imágenes circulan con rapidez y las marcas compiten por segundos de atención. Frente a esa velocidad, la construcción de una identidad creativa exige algo más duradero: una narrativa propia, una propuesta reconocible y una relación significativa con el público.

De la pasarela al negocio: el desafío de construir una industria

Para los diseñadores emergentes y las marcas en crecimiento, la exposición internacional representa una oportunidad, pero no garantiza por sí sola la continuidad de un negocio. Convertir la atención en relaciones comerciales sostenibles requiere infraestructura, contactos y estrategias que trasciendan los días de un desfile.

Esa fue una de las ideas centrales de Gabriela Tome, directora estratégica de alianzas y patrocinios de Asunción Fashion Week, en Paraguay, durante una conversación sobre el potencial económico de las semanas de la moda.

«La visibilidad es la parte fácil. Lo difícil —lo que realmente construye un negocio— es convertir tres días de atención en una actividad continua durante todo el año», explicó.

Su planteamiento apunta a un modelo en el que las semanas de la moda funcionen como plataformas de desarrollo empresarial. Las reuniones con compradores e inversionistas, los showrooms, las colaboraciones comerciales, las mentorías y la formación especializada pueden ayudar a transformar una presentación en oportunidades concretas.

Desde esta perspectiva, el impacto de un evento no debería medirse exclusivamente por su repercusión mediática, sino también por los contratos que facilita, los ingresos que genera y las oportunidades de trabajo que contribuye a sostener, incluidos los de los talleres artesanales.

América Latina cuenta con una diversidad de tradiciones textiles, técnicas, materiales y expresiones creativas que pueden alimentar propuestas con identidad propia. El reto consiste en conectar ese patrimonio con estructuras empresariales capaces de llevarlo a nuevos mercados sin perder de vista a las personas y comunidades que lo hacen posible.

Cuando la moda se convierte en patrimonio cultural

La relación entre diseño e identidad también fue abordada desde la perspectiva de la memoria. Durante una sesión sobre el valor museístico de la moda contemporánea, Thalyta Ferraz, asesora sénior de relaciones institucionales del Consejo de la Moda de Brasil, habló sobre el archivo de la diseñadora brasileña Zuzu Angel, cuyas prendas se presentan junto con fotografías y documentos que permiten comprender su trayectoria y contexto.

El ejemplo invita a mirar la moda más allá de su dimensión comercial. Una prenda puede ser una expresión estética, pero también un testimonio de su tiempo: conserva referencias sociales, culturales y políticas que ayudan a interpretar la historia de una comunidad.

«La transición de la moda al patrimonio cultural ocurre cuando un objeto se convierte en portador de memoria colectiva. Y eso no requiere necesariamente que el objeto sea antiguo», señaló Ferraz.

La reflexión amplía la conversación sobre el diseño latinoamericano y su potencial cultural. Preservar archivos, reconocer técnicas tradicionales y documentar las trayectorias de sus creadores permite que la moda dialogue con otras disciplinas, desde el arte hasta la investigación histórica.

En paralelo a los debates, la diseñadora nicaragüense Brisa Hernández representó a América Latina con un desfile dentro del programa de moda vinculado al encuentro en Moscú.

Una industria global que necesita conservar sus diferencias

El BRICS+ Fashion Summit reunió perspectivas diversas sobre los cambios económicos, tecnológicos y culturales que atraviesan la industria. Entre los asuntos abordados estuvieron las nuevas herramientas digitales, las transformaciones en el comportamiento del consumidor, los modelos de producción y las posibilidades de colaboración entre mercados.

Para América Latina, participar en estas conversaciones significa poner sobre la mesa una pluralidad de experiencias: desde marcas con alcance internacional hasta diseñadores independientes, festivales creativos, iniciativas empresariales y proyectos vinculados con el patrimonio artesanal.

La oportunidad no reside en construir una moda latinoamericana uniforme. Por el contrario, está en reconocer que la región reúne identidades distintas, tradiciones particulares y maneras propias de entender el diseño.

Como señaló Aline Souza de Oliveira al referirse al encuentro, «cuanto más conectado está el mundo, mayor es el valor de aquello que nos hace únicos».

En una industria que se mueve entre la velocidad de las tendencias y la búsqueda de nuevas oportunidades comerciales, esa idea plantea una dirección posible para el futuro: crecer sin borrar el origen, innovar sin perder el contexto y llevar la creatividad a nuevos escenarios sin desvincularla de las historias que le dan sentido.